Entrevista: Angela & Jared

Entrevista: What they are instead of

Por: Alejandra Carrillo

whattheyare-creditofengranzhou1

Jared & Angela

Entrevistamos a los artistas de la puesta What they are instead of, que se presenta mañana en LARVA. Jared Gradinger and Angela Schubot desarrollaron esta pieza en 2008, se conocen desde hace 14 años y han logrado conservar la primera de las líneas de este trabajo.

P. ¿Cómo es que nació esta pieza y cómo se ha transformado?

Jared: Originalmente fuimos invitados por ecuradores llamados Pictoplasma, hacían la curaduría para una compañía, Contemporany character design and art, que se trata más de arte callejero, diseño de personajes, artes gráficas y arte multimedia. Nos invitaron a ser parte de una exhibición, habíamos trabajado con ellos antes, pero más en el mundo de las caricaturas, de los personajes. La pregunta nació ahí: ¿Cómo podíamos sólo ser cuerpos pero seguir siendo parte de este mundo de los personajes? Entonces hicimos esta pieza que estuvo, de hecho, más envuelta en el contexto de la danza, más en la escena artística.

   Al principio cuando la mostramos a nuestros amigos bailarines, su impresión fue de “por dios, qué es esto, que están haciendo”. Las dos primeras presentaciones fueron las mejores. Éramos muy jóvenes, muy ambiciosos y llenos de energía. Éramos muy  rápidos con los ruidos de la respiración, teníamos una hiper respiración. En la segunda quisimos bajarle el nivel a esta hiper respiración, la pieza debe durar 25 minutos y entonces duramos una hora y media en escena (risas), y no debimos hacerlo, la gente al principio estaba a punto de dormirse. Al principio estaban súper atentos a todo lo que pasaba, pero luego, definitivamente, estaban durmiendo. Sin embargo, permanecimos en una dirección, en la misma coreografía, no cambiamos lo que estábamos haciendo dentro de la pieza, no hicimos otra escena, y otra escena con otras nuevas cualidades, en realidad fue sobre permanecer en un mundo, en una idea y ver qué encontrábamos dentro, en medio o encima de en lo que intentábamos convertirnos.

Angela: Recuerdo lo que queríamos hacer por la pieza tres horas antes de estrenarla, fue una locura, estábamos empezando y estábamos nerviosos, fue como descubrir un nuevo lenguaje, todo un reto.

Ahora siento que hemos hecho demasiado esta pieza y siento que la hacemos como si tuviéramos 17 años otra vez, es como si estuviera siempre viva, o algo así. Podrías despertarnos en medio de la noche y podríamos hacerla, no necesitamos ensayar demasiado, ahora está en la memoria de nuestros cuerpos, creo incluso que ya es parte de nuestros cuerpos, podría recordar cómo hacerla en mis sueños y ahora es más como un ritual, cuando tratas de hacer algo que ya hiciste cien veces en una nueva forma.

La primera vez fue como “oh, tenemos que hacer una súper presentación, tenemos que ser los mejores. Crecer nuestras capacidades físicas, agotar nuestros cuerpos”, ahora creo que lo hacemos más con la cabeza fría, nos tomamos más tiempo, pero, justo porque la coreografía es simple no es únicamente sobre la calidad, no tiene realmente una forma, porque incluso si hacemos menos en la escena sigue diciendo las mismas cosas.

P. ¿Ha cambiado la pieza a través de todos estos años en los que han trabajado juntos?

Angela: Siempre tuvimos que considerarnos, desde el principio, aun si no nos conocíamos teníamos que confiar en el otro, cuidar no lastimarnos, de alguna manera fue un talento que nació desde el principio, nos sentimos fuertemente unidos siempre.

Jared: Habíamos hecho varias piezas antes de esta, y es realmente interesante cómo el futuro transformó el pasado, nuestros cuerpos se han desarrollado juntos, el lenguaje de lo que hacemos se ha desarrollado a la par, incluso los errores que tuvimos en la primera pieza que hicimos juntos, incluso es un reto para nosotros mirar atrás y ver si esos pequeños errores siguen aquí, o se han cambiado debido a lo que nos hemos convertido.

P. ¿De qué les habla esta pieza ahora? ¿Es sobre las relaciones en la sociedad y sus dificultades?

Angela. Es gracioso, creo que sólo puede ser lo que tú describes debido a que nosotros no lo planeamos así, no pensamos en eso al hacer la pieza. No trabajamos en la relación hombre-mujer, o sobre las relaciones sociales, no trabajamos en las dinámicas de pareja, no hablamos del amor y no tratamos de representar humanos. Lo que realmente queríamos era transformarnos en un órgano, encontrar algo que está en otro mundo, no se trata de tú y yo ni sobre las interacciones sociales, sino realmente intentar convertirnos un órgano, una fuerza. Pero por supuesto siempre pasa que cuando pruebas algo nuevo o desconocido, al principio esto te muestra lo que está ahí afuera y la pieza está mostrándote un montón de cosas que no puedes dejar atrás, que son, por ejemplo, las cosas que tú mencionas. Pero esto es sólo una capa de la pieza, de hecho, no trabajamos con eso, sabemos que es una de las capas de lo que la pieza habla y reflexiona, pero tratamos algo diferente. Realmente tratamos de estar en otro lugar, no citar un lugar que ya existe en el mundo, sino hacer un nuevo lugar en el que la gente pueda estar unida en diferentes maneras y no en las viejas, claro que para intentarlo necesitas las viejas maneras, no puedes hacerlo todo tú solo;

Jared: Cuando hicimos la pieza, en este contexto de diseño gráfico,

hablamos sobre lo que es un diseño gráfico en un personaje: la carita sonriente, dos puntos y una línea en un círculo, y a veces pensamos que esa es la felicidad, lo vemos todos los días con los emojis, eso no es nada, no es una emoción, no es algo vivo pero está diciendo algo, lo vemos, lo leemos y eso es la humanidad.

Eso representa a la humanidad. Cuando nosotros hicimos el proyecto quisimos crear algo para la gente pudiera proyectarse fácilmente, y con suerte, reflexionara sobre esta proyección y revisara qué está pasando, lo que a veces también se frustra desde el principio y lo único que ve el espectador es a un hombre y a una mujer intentando fornicar y está bien, pero va más allá, y más allá, y más allá y ahí puedes dejar caer todo lo que conoces, hasta que te topas con otro mundo, algo más o con lo que ves realmente. Todo esto es hermoso, lo que eres capaz de provocar cuando eres artista, crear algo que para otros puede ser muy intenso, en alguna manera no se trata de mí, de hacer el mega espectáculo, que brilla en el escenario, se trata de algo más.

P. ¿Cómo describirían lo que hacen? ¿está en el límite entre la danza, el teatro y el performance?

Jared: Yo vengo del teatro y ella tiene entrenamiento en danza. Y nos conocimos en el extremo del performance, en el deseo de esta otra cosa, que puede ser un cliché, pero de verdad queríamos encontrar algo más. Ahora vamos a hacer una nueva pieza y siempre que te metes en el problema de definir lo que es la danza, pero te tienes que hacer esas preguntas para saber a donde vas, siempre decimos que es más performance. No era nuestra intención, nuestra intención era hacer algo muy rudo, muy puro físicamente, algo sobre el acto del cuerpo.

Angela: Para mí es danza lo que hacemos. Totalmente. Pero lo que es más, y es como lo llamamos, es Ser. Trabajamos mucho en ser juntos, así que lo que hacemos es un ser desde el cuerpo, no le llamamos danza porque no es sobre representar algo, es más bien encarnar algo, pero para mí eso es la danza en la vida real. Conectar el cuerpo y vivir algo que está frente a tus ojos, es sobre jugar con algo frente a ti, la conexión de movimientos que están ahí enfrente, para mí eso es danza.

P. ¿Se trata, entonces, de ponerles nuevos nombres o de expandir los viejos?

Jared: Es como tener un gran jardín y entonces tienes que justificar que este jardín es danza por el movimiento de las flores, el pasto, el campo, la gente que anda alrededor, no sé, hay mucha energía en esto como para explicar, así que sólo lo acepto, digo: sí es, es danza, un performance, además es un jardín, es una instalación. Para mí el término de la danza se ha expandido mucho ahora.

Angela: Si dices que la danza es movimiento, tendríamos que decir que la vida es danza, porque la vida es movimiento, si entonces lo delimitamos y decimos que la danza son ciertas habilidades del cuerpo, eso es exclusión en la discusión belleza, y eso está bien, pero cómo podemos negar que el movimiento de las nubes es danza.

P. Es pronto para preguntarlo, pero ¿qué les parecen los encuentros como EINCE?

Jared: Es duro, es difícil hacerlo, hemos conocido poca gente hasta ahora pero realizarlo con poco dinero y en México, pero el deseo real de traer información, de traer conocimientos y otros tipos de energía para extender las conciencias y compartir un lugar en común junto con otros artistas, eso es lo mejor. Mejor que los grandes festivales que se concentran en presentar a muchos artistas, las estrellas, que terminan por no conocerse entre ellos, que terminan por no compartir nada. Me gusta más cuando se organizan desde el corazón, y de verdad quieren conocerte.

Convocatoria: videomapa en El Fresno

portada-videomapa-01.jpgResidencia Laboratorio: 7 al 11 de noviembre de 9:00 a 14:00 horas. Lugar: Centro Cultural Kokay, Cerezo no. 1364, Colonia el Fresno.

Presentación: Sábado 12 de noviembre, 19:30 horas. Calle Guamúchil, entre Pelícano y Eucalipto, Colonia del Fresno.

Cupo limitado a diez personas. Mayores informes e inscripciones: formacioneince@gmail.com

Dirigido a bailarines, coreógrafos, videastas, actores, directores de teatro y todos aquellos interesados en la realización de un proyecto colectivo de creación de videodanza.

Como resultado de éste laboratorio, los participantes formarán parte del cierre de éste proyecto el cual será en colaboración con habitantes de la colonia.  

“Video-mapa Danzado El Fresno” es una residencia de creación itinerante de videodanza dirigida por los artistas Jean-Baptiste Fave (FR), Ximena Monroy y Paulina Ruiz Carballido (MX) en la Colonia el Fresno.

   Invitamos a artistas de Guadalajara a este laboratorio de creación para crear y dialogar con los habitantes de la colonia el Fresno, para la realización de un proyecto videodancístico y dancístico colectivo en donde artistas y personas de distintas edades estén detrás y frente a la cámara. Los participantes explorarán diferentes aproximaciones de la danza en la pantalla a partir de ejercicios lúdicos y sensibles que investiguen el cuerpo como lugar, memoria, identidad, escucha, presencia, espacio, acción, relación y creación de una historia colectiva.

   Durante los cinco días del laboratorio, se realizará un “video-mapa danzado” a partir de relatos, memorias, anécdotas, esperanzas y deseos de los habitantes en y con su colonia. Se realizarán entrevistas, grabación de voces, gestos individuales y colectivos entre los participantes, y se visitarán esos espacios de la colonia donde suceden los relatos, para intervenirlos rememorando y/o reconstruyendo aquellos souvenirs (recuerdos) danzados. Se recolectará lo encontrado y lo vivido para crear en grupos una mise en scène, coreo- cinematográfica de estas danzas y gestos vinculados a técnicas audiovisuales -movimientos de cámara, ángulos, ritmo del montaje, etcétera- para realizar una pieza colectiva específicamente por y con la cámara y para la pantalla.

Actividad en colaboración con:

Se suponía que… un futuro lleno de té

Se suponía que éste era el futuro / (This was supposed to be the future)

Future Husband

Jueves 3 de noviembre, 20:00 horas / Viernes 4 de noviembre, 20:00 horas.
Laboratorio de Arte y Variedades (LARVA). Guadalajara, Jalisco, México.
Boletos en LARVA (
Ocampo 120 Centro. Guadalajara)

sesuponia

Se suponía que éste era el futuro es una pieza de danza, teatro y multimedia que destroza la Historia e inventa nuevas historias, como respuesta al derrumbe de los grandes mitos fallidos.

Una deconstrucción anárquica y poética sobre las narrativas que nos contamos.

Haciendo uso de los conceptos historia, biografía y ficción, e incluyendo álbumes familiares, manifiestos, explosiones y punk rock, Se suponía que éste era el futuro reescribe múltiples pasados e imagina nuevas formas de mirar el futuro

Concepto: Julia Croft y Natasha Barhedia.
Performance: Julia Croft, Natasha Barhedia, Miguel Mesa.
Diseño sonoro: Miguel Mesa.
Diseño visual: Dalia Huerta.
Producción: Daniela López (Boreal Producciones).


Té y Teoría

Sesión 1: Futuro vs no-linealidad. La visualización del futuro tras las rupturas de las narrativas lineales. 26 de octubre, 17:00 horas. MURA.

Sesión 2: Mito y ritual, futuro e inauguración. 28 de octubre, 18:00 horas. MURA.

Future Husband llevará a cabo sesiones de lectura, análisis y diálogo sobre textos pertenecientes a la filosofía, teoría crítica e investigación en artes escénicas dentro del Encuentro Internacional de Arte Escénico Contemporáneo EINCE.

Este espacio de diálogo forma parte de las actividades paralelas del proyecto escénico “Se suponía que éste era el futuro”. Las sesiones de discusión, públicas y gratuitas, se llevarán a cabo en el Museo de Arte Raúl Anguiano, MURA (Av. Mariano Otero 375, Colonia Moderna)

Inscripciones a TÉ Y TEORÍA: sesuponiaqueesteeraelfuturo@gmail.com

II Coloquio Arte y Ciudadanía

II Coloquio de Arte y ciudadanía
La práctica artística en el espacio público: aportaciones a la participación ciudadana

La segunda emisión del Coloquio tiene como propósito general visibilizar todo aquel ejercicio artístico desarrollado en el espacio público, asimismo, se pretende evidenciar la contribución o aportaciones significativas que dicho ejercicio ha propiciado en el desarrollo humano. Es preciso mencionar, que la reflexión en torno a la memoria histórica, la identidad y el ejercicio ciudadano son imprescindibles para comprender como las personas de una ciudad o comunidad pueden a través del arte y la cultura en su territorialidad construir el desarrollo local y la democracia participativa.

    Reconociendo la necesidad de establecer el tópico del arte en el espacio público y las contribuciones que se han propiciado frente a los conflictos alrededor de la calidad de vida, el control social del espacio, las relaciones entre las distintas poblaciones urbanas y la cohesión social de las comunidades locales consideramos vital la reflexión, el análisis y la visibilidad del resultado de artistas locales e invitados frente a problemáticas sociales propias de su contexto. Ciertamente, en algunos casos, los conflictos de carácter social pueden generar discursos y prácticas de exclusión hacia los que se perciben como otros, especialmente en relación a los usos y apropiaciones del espacio público.

    El coloquio busca generar diálogos y vasos comunicantes entre los interlocutores, artistas e imágenes artísticas que tienen como soporte el espacio público y que han generado consonancia desde el momento de su creación hasta la actualidad.

Programa diario:

31 de octubre:

Sede: Museo de Arte Raúl Anguiano MURA (Av. Mariano Otero 375, Colonia Moderna).

10:00 h. MESA 1: Aportaciones del arte y la cultura en la sociedad.
Ponentes: Dra. Adriana Estrada Álvarez, Dr. Luis Rigoberto Gallardo, Lic. Marco Aurelio Huerta y Lic. Francisco de Jesús Ascencio. Modera: Lic. Rafael Paredes.

12:00 h. Conversatorio sobre la pieza artística “Multitud” de Tamara Cubas.
Participan: Dr. Luis Rigoberto Gallardo, Dra. Adriana Estrada Álvarez, Mtro. Adrián Nuche y Tamara Cubas. Modera: Lic. Aristeo Mora.

 

Sede: PAOS Residencias, Museo Taller José Clemente Orozco (Aurelio Aceves 27, Arcos Vallarta).

19:00 h. Proyección del documental “Tierra de Mujeres”.
Presenta: Dra. Adriana Estrada

20:00 h. Conversatorio con la Dra. Adriana Estrada Álvarez.
Participa: Mtro. Efraín Sebastián Silva.

 

1 de noviembre:

Sede: Museo de Arte Raúl Anguiano (MURA)

10:00 h. MESA 2: Gestión de proyectos artísticos y culturales en el espacio público.
Ponentes: Lic. Rafael Paredes, Patricia Urzúa, Lic Olga Gutiérrez y Daniela López. Modera: Mtro. Adrián Nuche.

12:00 h. MESA 3: Proyecciones Imaginarias en el espacio urbano.
Ponentes: Mtro. Fernando Mora Mora, Lic. María Álvarez del Castillo, Lic. Aristeo Mora de Anda. Modera: Arq. Erick Castillo Camacho.

 

Sede: PAOS Residencias, Museo Taller José Clemente Orozco

18:00 h. Conclusiones del Coloquio.
Participan: Lic. Olga Gutiérrez, Mtro. Adrián Nuche y Mtro. Efraín Sebastián Silva.

19:00 h. Proyección del documental “Manrique” del artista Eiji Fukushima y conversatorio.
Participa: Eiji Fukushima y Mtro. Efraín Sebastián Silva

21:30 h. Clausura.

 


Diseño y Coordinación Coloquio Arte y Ciudadanía: Adrián Nuche y Sebastián Silva, en colaboración con Olga Gutiérrez.

Para informes sobre el Coloquio: Mtro. Adrián Nuche (anuchelanao@gmail.com). Efraín Sebastián Silva (ephraim-baxtian@hotmail.com). 

 


 

Actividad realizada en colaboración con:

La magnífica Tamara Cubas

No sabemos si le gustan las cubas, menos si le gustan con algún refresco en particular, pero sí que participar en Multitud, su proyecto, significa una oportunidad única para los que se animen a pasar siete días con la gran coreógrafa uruguaya durante EINCE

tamara1

¿Quién es Tamara Cubas?

Licenciada en Artes Plásticas y Visuales, en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, Universidad de la República (IENBA/UDELAR). Master en Arte y Tecnología en EMMA, Escuela de Artes de Utrech, Holanda, premio EMMA Award in Image & Technology.
Se forma en danza contemporánea en Montevideo, en la Escuela Contradanza.

Ha bailado con el coreógrafo brasilero Marcelo Evelin y Luciana Achugar, realizado audiovisuales para Contradanza (Uruguay), Demolition Inc y The Meekers (Holanda,) entre otros.

Su trabajo autoral ha sido exhibido en diversos países de América Latina, Europa y Estados Unidos. Dicta talleres de video en Argentina, Brasil, Chile, Paraguay, México, Uruguay y España. Se ha desempeñado como docente de sensibilidad corporal en Facultades de Bellas Artes y Arquitectura en Uruguay, ha preparado actores para obras de teatro como Arturo UI de la Comedia Nacional del Uruguay y Don Juan de Marianela Morena y desempeñado como jurado en festivales y proyectos como Rumos Itau San Paulo (2006,2009) y Festival de Videodanza ARCIS, Chile.

Es co-directora artística del colectivo Perro Rabioso, desde donde ha llevado adelante numerosos proyectos de culturales relacionados con la difusión, formación y producción artística como el FIVU, Festival Internacional de VideoDanza de Uruguay y la Videoteca Montevideo. Diseñó y fue la coordinadora general entre el 2006 y 2009 de PLATAFORMA, Programa de incentivo a la producción y la innovación artística (Ministerio de Educación y Cultura, Uruguay), directora del Festival Internacional de Artes Escénicas, Setiembre Escénico 2009 (MEC), asesoró en material de danza a varios proyectos de la Dirección de Cultura del Uruguay como Fondos Concursables, AEscena!, entre otros. Fue asesora de programación en danza del Teatro Solís, Montevideo, 2008-2009. Jurado Fondos Concursables Uruguay 2010. Es becaria 2012-2014 del FECFA, Fondo de incentivo a la creación artística del Ministerio de Cultura de Uruguay.

Dentro de sus trabajos recientes se destacan las obras escénicas Actos de Amor Perdidos (Montevideo 2010), Multitud (México 2011, Montevideo 2013), Puto Gallo Conquistador (2014) y la exposición El día mas hermoso, (Montevideo 2012).

Participó en la Primera Bienal de Arte de Montevideo, expuso en la exhibición colectiva de Fotografía, El lugar de lo Dicho en el Museo de Artes Visuales. Ambas en Montevideo. Fue beneficiaria de la Beca de Creación Justino Zavala del Ministerio de Educación y Cultura del Uruguay 2012.

En mayo 2015 representará a Uruguay en la Bienal de Arte de La Habana con su obra escénica Multitud. Prepara una exposición individual para el Centro Cultural de Tlalpan, México DF y estrenará en el mes de octubre su nueva creación escénica que forma parte de la Trilogía Antropofágica.

¿Más información sobre la convocatoria? Pulsa aqui

Programa: Escena Expandida

Escena Expandida

Programación de actividades realizadas en espacios públicos como presentaciones, residencias de creación, presentación de libros y la segunda edición del Coloquio de investigación. Esta edición se lleva a cabo dentro de la plataforma MURA en Fresno.



 

Del 24 al 29 de octubre, 24 de octubre de 13:00 a 19:00 horas; del 25 al 29 de octubre, de 9:00 a 15:00 horas. Centro de Desarrollo Comunitario 19.

Residencia de producción escénica: Laboratorio Multitud

Tamara Cubas (Uruguay)

Entrada: previa selección.

Sinopsis: En un taller – montaje con duración de siete días, la coreógrafa uruguaya Tamara Cubas compartirá un espacio público con un elenco de más de 60 artistas escénicos de Guadalajara y otros lugares de México, donde lo que se hace es decidido de modo simultáneo a su propia ejecución, problematizando, mediante su práctica, las relaciones entre lo privado y lo público, entre arte y sociedad, entre el yo y el otro. De este modo, el principio de composición es reemplazado por el de organización espontánea y colectiva, y la dramaturgia de la pieza se decide en el momento en que ésta se presenta.


Domingo 30 de octubre, 18:00 horas. Centro de Desarrollo Comunitario 19 (Calle Durazno 1438, entre Pino y Fresno, Colonia del Fresno).

Presentación: Multitud

Tamara Cubas (Uruguay)

Entrada libre con boleto. Si te interesa participar en esta actividad, te recomendamos llegar al menos una hora antes, allí se repartirán boletos.

Sinopsis: Proyecto escénico que analiza la forma social del hombre contemporáneo, su noción de heterogeneidad en lo colectivo: la otredad, el espacio público, las relaciones interpersonales y la posibilidad del disenso, en colaboración con el artista sonoro tapatío Diego Martínez.

Tamara Cubas (Uruguay): Es una figura emblemática dentro de las artes vivas y la danza en América Latina y Europa. Licenciada en Artes Plásticas y Visuales en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, Universidad de la República (IENBA/UDELAR). Master en Arte y Tecnología en EMMA, Escuela de Artes de Utrech, Holanda, premio EMMA Award in Image & Technology. Se forma en danza contemporánea en Montevideo, en la Escuela Contradanza. Dentro de sus trabajos recientes se destacan las obras escénicas Actos de Amor Perdidos (Montevideo 2010), Multitud, pieza que se ha realizado actualmente en quince ciudades del mundo y Puto Gallo Conquistador (2014). Participó en la Primera Bienal de Arte de Montevideo, en la Bienal de La Habana en 2015. Realizó la exposición individual “El día más hermoso” en Museo Blanes, Montevideo (2013) y “El lugar de la ausencia” México 2015. Actualmente trabaja en la creación escénica de la Trilogía Antropofágica.

Actividad en colaboración con:

Ir a sitio de Tamara Cubas



 

Lunes 31 de octubre: de 10:00 a 14:00 horas en MURA (Av. Mariano Otero 375). De 19:00 a 21:00 horas en PAOS RESIDENCIAS, MUSEO TALLER JOSÉ CLEMENTE OROZCO (Aurelio Aceves 27).

Martes 1 de noviembre, de 10:00 a 14:00 horas en  MURA. De 20:00 a 23:00 horas en PAOS RESIDENCIAS, MUSEO TALLER JOSÉ CLEMENTE OROZCO. 

Coloquio: II Coloquio de Arte y Ciudadanía. La práctica artística en el espacio público: aportaciones a la participación ciudadana

Entrada libre.

Sinopsis: Esta segunda emisión tiene como propósito visibilizar todo aquel ejercicio artístico desarrollado en el espacio público, y evidenciar la contribución o aportaciones significativas que dicho ejercicio ha propiciado en el desarrollo humano. Habrá charlas, conferencias y proyecciones.

Invitados: Tamara Cubas, Mtro. Arq. Fernando Mora Mora, Lic. Aristeo Mora de Anda, Mtro. Martín Torre de la Vega, Eiji Fukushima Martínez, Rafael Paredes, Patricia Urzúa, Olga Gutiérrez, María Álvarez del Castillo, Luís Rigoberto Gallardo, Marco Aurelio Huerta, Efraín Sebastián Silva, entre otros.

Para ver programa completo

Actividad en colaboración con:



 

Miércoles 9 de noviembre, 18:00 horas. Estudio Teorema (Calle Plátano 1421, Colonia del Fresno).

Presentación de libro: 01 Memoria Histórica de la Videodanza. Colección La Creación Híbrida en Videodanza

Presenta: Ximena Monroy, Paulina Ruiz Carballido y autores invitados

Entrada libre con cupo limitado.

libro

Sinopsis: Se trata de la primera publicación impresa sobre videodanza en México, coordinada por el Festival Itinerante de Videodanza Agite y Sirva, en colaboración con la Universidad de las Américas Puebla – UDLAP. Esta publicación es una colección compilada de ensayos, textos y material fotográfico en cinco volúmenes, a partir de las actividades de reflexión y crítica que se han llevado a cabo durante las primeras siete ediciones de este Festival, fundado en 2009.

Semblanza: Este primer tomo presenta un prefacio de Marianna Garcés Torres, e introducción de Ximena Monroy Rocha y Paulina Ruiz Carballido. Textos: Poéticas del Movimiento: Interfaces, de Paulo Caldas. Ritual in Transfigured Time, de Narcisa Hirsch. Poesía sufi, danzas extáticas y mirada de mujer, de Silvina Szperling. Octavio, sin querer queriendo, de Tania Solomonoff. La Videodanza: Género transmutante del arte noventero, de Laura Ríos. All This Can Happen: narrativas alógicas a través de la coreografía de imágenes en movimiento, de Ximena Monroy Rocha, y Del pre-cine a la pixilación: Poéticas fragmentadas, reconstrucciones gestuales y emergencias estéticas, de Paulina Ruiz Carballido.

Actividad en colaboración con:

Para ir al sitio de Agite y Sirva Festival



 

Del lunes 7 al viernes 11 de noviembre, de 9:00 a 14:00 horas. Colonia del Fresno. Entrada: previa selección.

Residencia de producción escénica: Laboratorio Videomapa, danzando en el Fresno

Sinopsis: Residencia de creación itinerante de videodanza dirigida por los artistas Jean-Baptiste Fave, Ximena Monroy y Paulina Ruiz Carballido, donde se invitarán a los habitantes de la colonia de El Fresno y artistas locales a realizar un proyecto videodancístico y performático-escénico colectivo en donde todos estarán detrás y frente a la cámara. Explorarán diferentes aproximaciones de la danza en la pantalla a partir de ejercicios lúdicos y sensibles que investiguen el cuerpo como lugar, memoria, identidad, escucha, presencia, espacio, acción, relación y creación de una historia colectiva. Esta es una colaboración entre EINCE y el Festival Itinerante de Videodanza Agite y Sirva (Festivales Miembros de la Red Nacional de Festivales de Danza del INBA), gracias al apoyo de la Red Nacional de Festivales de Danza del INBA.


 

Sábado 12 de noviembre, 19:30 horas. Calle Guamúchil, entre Pelícano y Eucalipto, Colonia del Fresno.

Presentación: Videomapa, danzando en el Fresno

Entrada libre con cupo limitado.

Sinopsis: Proyección de la videodanza creada por  los habitantes de la colonia el Fresno en colaboración con coreógrafos, artistas visuales de Guadalajara y los artistas Jean-Baptiste Fave, Ximena Monroy y Paulina Ruiz Carballido. A partir de la propuesta de Fave-Monroy-Carballido, de revisar la idea de memoria e identidad de la colonia del Fresno desde dos miradas: la del habitante de la colonia y la de aquellos que la han recorrido.

Ximena Monroy (México): Videoasta, bailarina y gestora cultural. Egresada Magna Cum Laude en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de las Américas Puebla. Fundó y dirige Agite y Sirva Festival Itinerante de Videodanza en México. Su trabajo de videodanza ha sido seleccionado y premiado en muestras y festivales en Argentina, México, Brasil, Estados Unidos, España, Chile, Argentina, En 2012 fue beneficiaria del FONCA-CONACyT (México) para realizar una Residencia Artística en Espai Erre, Barcelona, España. Co-dirigió la 1ª Muestra Itinerante VideoDanzaBA México 2008, En 2008 fundó junto con Marianna Garcés el Festival Agite y Sirva en México, que dirige y gestiona junto con Paulina Rucarba desde 2009 a la fecha. Becaria del PECDA Puebla, el FONCA-CONACYT, Iberescena y el CONACULTA. Co-dirige a lado de Paulina Ruiz Carballido la publicación “La creación Híbrida en Videodanza”, primera compilación impresa y digital en México de ensayos, textos y material fotográfico sobre Videodanza en 5 volúmenes.

Paulina Ruiz Carballido Rucarba (México-Francia): Bailarina, coreógrafa, profesora, investigadora y videasta. Egresada Magna Cum Laude de la Licenciatura en Danza (2008) de la Universidad de las Américas Puebla en México. Egresada Suma Cum Laude (“Trés bien”) de la Maestría de Investigación en Danza (2013) de la Universidad Paris VIII Vincennes Saint Denis en Francia. Su trabajo se ha presentado en festivales nacionales e internacionales en Chile, México, Cuba, Alemania, Portugal, Italia, Francia, Suiza, Canadá, Irlanda, Bélgica, Uruguay, Brasil, Ecuador, Dinamarca y Argentina. Desde 2009 es artista asociada en gestión, curaduría, investigación y docencia en Agite y Sirva Festival itinerante de Videodanza México Ha sido becaria del Programa de Becas para Estudios en el Extranjero, 2010-2012 (FONCA-CONACYT); del programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico de Oaxaca PECDA 2012 Co-dirige con Ximena Monroy la publicación “La creación Híbrida en Videodanza” (2015).

Jean-Baptiste Fave (Francia): Operador de Sonido y Videasta. Estudió BTS Audiovisual y cine por parte de la Universidad la Sorbonne (París IV). Desde 2002 ha trabajado como ingeniero de audio en distintos proyectos de cine, documental y videodanza. Paralelamente trabaja en la creación de documentales, películas experimentales y diferentes proyectos artísticos. Ha colaborado con Patrick Fontana, Giorgia Minisin, Mayra Morales y Gabriela Gobbi, entre otros, en proyectos experimentales, coreográficos, performativos, sonoros y de videodanza. Artista asociado en producción de foto-audio-video y docencia en Agite y Sirva Festival itinerante de Videodanza México. Su trabajo ha sido presentado en festivales nacionales e internacionales en México, Alemania, Italia, Francia, Suiza, Canadá, Dinamarca, Suecia, Brasil, España y Argentina.

Actividad en colaboración con:

Para ir al sitio de Agite y Sirva Festival



 

Olga Gutiérrez

Creadora, investigadora y gestora de artes vivas. Su interés está en el cuerpo, la investigación escénica y lo que ella llama “dramaturgia viva”. Mantiene contacto  con lenguajes como la danza, el teatro, el arte acción, el arte sonoro y las prácticas artísticas en torno al espacio público, para entender la complejidad que implica la práctica artística en el siglo XXI.

  Se ha formado entre México y diferentes países de Europa central. Ha trabajado con directores de países como Polonia, Francia, Canadá, Bélgica y México. Ha presentado su trabajo en países como México, España, Francia, República Checa, Uruguay, Colombia, Argentina y Brasil.  Ha sido beneficiada en dos ocasiones por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes –a través de su programa de Estímulos al Desarrollo y a la Creación Artística de Jalisco- en las disciplinas de teatro y danza.

  Ha presentado sus obras en Festivales de diferentes ciudades de México, y a partir del 2012 en Festivales internacionales en Francia, España, República Checa, Brasil, Colombia, Uruguay y Argentina.

  En 2015 estrenó la obra Diente de Oro en  el Festival Salmón del Mercat de les Flors en Barcelona (España), en una co-producción entre México y España. Realizó el proyecto de investigación escénica titulado Me he puesto a quemar los cuerpos en Montevideo (Uruguay), San Luis Potosí (México) y Barcelona (España).

  Actualmente se encuentra en producción de su pieza El verdadero nombre de David Copperfield es David Seth Kotkin la cual se estrenará en diciembre del 2016 en el Teatro Café Müller en Buenos Aires (Argentina), una producción México-Argentina. Realizará la tercera obra de su proyecto NOSOTROS ESTAMOS AQUÍ con los creadores argentinos Rakhal Herrero y Celia Argüello, que se presentó este año en diversas ciudades de México, así como Florianopolis (Brasil) y en el 2017 en España y Alemania.

jefaolga

  Es curadora como extensión de su práctica artística y reflexiones en torno a las artes vivas; realiza curaduría para el Festival que coordina en la ciudad de Guadalajara (México) Encuentro Internacional de Arte Escénico Contemporáneo EINCE y por invitación para otros espacios y como gestora y productora promueve plataformas y proyectos de intercambio y colaboración artística pues considera que es un esquema contemporáneo de práctica artística y social que genera nuevas reflexiones de la vida y el arte.  Su trabajo de gestión en México para la danza contemporánea y las artes vivas está relacionado con la creación y el fomento de espacios que promuevan otros imaginarios de lo que este lenguaje puede ser en cuanto a pedagogía, creación y producción se refiere.

  Directora general del Encuentro Internacional de Arte Escénico Contemporáneo EINCE, plataforma de promoción, investigación, reflexión y producción de arte escénico contemporáneo. Se realiza cada año durante un periodo de dos a cuatro meses en la Ciudad de Guadalajara (México), dónde se realizan actividades como presentaciones, clínicas de trabajo, laboratorios de creación y residencias artísticas con artistas de diversos países. Esta plataforma fue beneficiada por el fondo internacional IBERESCENA para realizar la novena edición en el 2015.

  Realiza el  diseño y coordinación de MURA EN EL FRESNO, una plataforma de articulación de prácticas artísticas diseñadas para el Museo de arte Raúl Anguiano (MURA) para la Colonia El Fresno. Esta plataforma se establece como un “territorio” que posibilita el cruce y la articulación de prácticas artísticas de  diferentes tipos, contextos varios (ámbito ciudadano y ámbito artístico) y agentes. Territorio que se piensa como una práctica de la colaboración y el tejido en red con la comunidad del Fresno. Es una plataforma  que albergará actividades de promoción cultural como recorridos, talleres y encuentros, con la intención de provocar un dialogo con los habitantes de la colonia.